Alfredo
Leal
21
de Septiembre de 2012
1er
Congreso Nacional de Gestión y Políticas Culturales UCV
La teología latinoamericana privilegió el método
“ver, juzgar y actuar” para dar cuenta de la realidad y orientar la conducta al
respecto. Sin intenciones de hacer
teología ni nada que se le parezca, pero aprovechando la metodología dada la
brevedad del tiempo, les propongo que “veamos”
algunos aspectos de nuestra realidad artístico-cultural, “juzguemos”, es decir, hagamos crítica de lo que vemos; para
emprender así, o al menos esbozar, un posible “actuar”, una ruta de acción.
Desde ya quiero ser claro: El tiempo disponible para esta presentación
me obliga a quedarme corto, pero no por ello dejaré de presentar algunas ideas
que me resultan importantes de cara al fomento de la creación en dos aspectos
fundamentales: Los creadores y los espacios de la creación.
Hagamos el ejercicio de ver. ¿Qué es lo que vemos a
nuestro alrededor? (sin tener la pretensión de abarcar todo) Pues yo diría en
cuanto a los espacios:
1. La
cultura del “no tocar” ha sucumbido ante la cultura del “acontecimiento”, de la
experiencia. A saber, el viejo esquema de Museos y Galerías donde “se podía
dañar algo” –y por ello estaba prohibido tocar- cedió su paso a los Centros
Culturales, donde el público va en busca de una experiencia multisensorial. Así
puede hallar en un mismo espacio teatro, danza, música, cine, fotografía,
recreación, participar de un taller, de un baile, etc. Los nuevos espacios para
la cultura son “lugares para estar”.
2. Se
ha privilegiado la calle como espacio de la creación, promoción y divulgación
sobre las Galerías, Museos e incluso los Centros Culturales. Notorio es la gran cantidad de eventos en el
Parque los Caobos, el Bulevar de Sabana Grande, Los Próceres, o experiencias
como por el medio de la calle, y hasta los maratones, por solo citar algunos ejemplos.
3. Las
universidades han asumido el rol de Centros de Convenciones. A falta de espacios adecuados en la ciudad,
de problemas presupuestarios de las Universidades así como la afectación de la seguridad pública
las universidades están albergando desde ferias gastronómicas hasta
megaconciertos. Notorios son los Casos
de la UNIMET, UCV, USB, etc.
4. La
nueva y escasa infraestructura cultural promovida por el estado no pareciera
responder a un criterio o política particular.
Así nos encontramos que entre las pocas edificaciones culturales en la
ciudad de Caracas lo que resalta es un Mausoleo
inconcluso. Punto de distancia merece el
Centro de Acción Social por la Música, el remozamiento de bulevares y
reacondicionamiento de Teatros que estuvieron en el abandono. Actividad que se
ha limitado solo a la ciudad de Caracas.
5. Los
espacios se han polarizado: incluso para un ojo no muy experto es fácil notar
que hay diferencias notables entre el circuito de los museos de Bellas Artes,
Galería de Arte Nacional y el Teatro Teresa Carreño frente al Circuito del
Teatro de Chacao, Centro Cultural Trasnocho, etc…
Veamos ahora parte de lo que pasa con los artistas,
los creadores.
1. Se
han multiplicado los colectivos, redes, grupos de trabajo, asociaciones, etc.
que han encontrado una fuerza en grupo que como individuos no tenían
2. Siguen
trabajando bajo el esquema del “proyecto”.
Es decir, hay una institución que debe repartir unos recursos, los
artistas presentan sus proyectos y ésta según sus criterios distribuye los mismos.
3. Los
cultores populares en general manifiestan tener más presencia y reconocimiento
en los circuitos oficiales de la cultura. Siempre bajo la lógica de la
difusión.
4. Las
formas artísticas como el teatro, el cine, la música y el stand up han tenido
un florecimiento especial tanto en espacios convencionales como en los no
convencionales. Teatros en Centros Comerciales, Música Tradicional Contemporánea
en Bares de tendencias no alternativas,
etc.
5. Siguen
pendientes temas cruciales como los mecanismos de previsión social, el cálculo
de los “salarios”, la profesionalización, etc. El salario de los artistas es un
tema importante, en no pocos casos los artistas cobran lo que el espacio
cultural dispone pagar sin distingo de ningún tipo. La consolidación de un gremio
pareciera ser una necesidad.
Visto lo visto y sin ánimo de haber agotado las
posibilidades de esta discusión pasemos al segundo momento propuesto: juzgar.
Podríamos decir que los espacios culturales
funcionan bajo la lógica de la “oferta cultural”, pero no del “atelier”, que
sería por excelencia el espacio de la creación, la investigación. Al escenario,
como el espacio de la exposición, se le debe sumar el taller. El espacio de la creación.
El florecimiento de las actividades de calle
evidencia una tendencia marcada a la promoción cultural como “actividad artístico-cultural”.
Es la cultura de la promoción de
acontecimientos, no de artistas, ni procesos interconectados y orientados por
unas políticas en función de objetivos. Se contrata una acción cultural
determinada, se muestra, se paga y se acaba.
Por otro lado, el lugar de la Cultura, el espacio,
se ha vuelto difuso. Los auditorios son salas de concierto, los bares son
teatros, la calle es el escenario, la escuela es la sede del grupo o compañía, la
Universidad es el centro de convenciones, etc…
Del lado del los artistas, me atrevería a afirmar
que hay una organización y comunicación mucho más eficiente, primero porque se
da de manera horizontal entre colectivos y pequeñas asociaciones de artistas. Desvinculada
en buena medida de la institucionalidad.
Estos grupos además han ganado niveles importantes de cualificación por
lo que muestran un virtuosismo novedoso.
También el alcance de las nuevas tecnologías y sus posibilidades casi
infinitas han contribuido en ello.
El tema de la identidad – y en este punto quiero
hacer un énfasis porque creo que nos jugamos mucho como país- se incorporó en
el acontecer artístico nacional. El movimiento musical que se generó alrededor
del neofolclor y que devino en la
explosión de sonidos propios, nuestros; creció junto al resurgimiento del
teatro, el cine y al nacimiento del stand up como una forma de recuperar la
palabra (¿palabra perdida me pregunto yo?), de encontrar nuevas palabras, de
expresar ideas, de encontrar nuevas identidades.
Los artistas, han sabido recuperar el sentido
profundo de la palabra, que no es otra cosa que el encuentro; han sabido
reconstituir esa identidad vilipendiada desde las instituciones del Estado. El público ha encontrado en ellos un refugio,
un acceso a la palabra, al sentido; una certidumbre sobre su identidad, identidad
puesta en duda sistemáticamente a través del aparato gubernamental, pero que no
por ello flaquea.
El desprestigio de la palabra cultivado sistemáticamente
durante la era revolucionaria, la puesta
en duda de la condición de nacionales de buena parte de la población venezolana
pareciera haber decantado en estas formas artísticas de amplia aceptación,
donde la palabra misma recobra su verdadero significado y valor donde el
público puede verse reflejado en un “nosotros” en un común denominador. No
sorprende pues que las expresiones artísticas con mayor florecimiento sean las
que tienen en su centro a la palabra.
Es una fortuna que una sociedad como la venezolana
pueda procesar a través de la creación artística los constantes ataques –en
cadena radio y televisión- a la identidad nacional así como recuperar la fe en
la palabra que se desvanece entre insultos y agresiones.
Pasemos ahora al Actuar: Aquí la cosa es más difícil, porque no hay recetas, pero
ciertamente poniendo atención en la realidad se podrá comenzar a ensayar nuevos
caminos.
1. Si
las formas artísticas que privilegian la palabra son las que han tenido más
auge en los últimos años no es de sorprender que ese movimiento, que es todavía
seminal, crezca y se multiplique. Que
haya presupuestos justos y con intención, reales vinculaciones (y con esto me refiero a productivas) entre
artistas y centros culturales. Que la cultura sea entendida como catalizador de
procesos sociales y no como instrumento de ideologización, puede ayudar a
potenciar los resultados reales. Si no hubiera tantas complicaciones económicas
y de acceso a materias primas, no dudaría en sostener que el próximo boom es el del libro. Pero por ahora
seguirá en estado de latencia.
2. Es
necesario potenciar circuitos culturales tanto públicos como privados. Los circuitos
privados son afluentes que llevan de manera natural y no programada (y a esto
me refiero a que esté fuera de la instrumentación política) propuestas que se
vuelvan proyectos de identidad en zonas específicas. Piensen por ejemplo porqué
en algunas zonas son “futbolísticas” o “musicales” por excelencia… No todo se puede programar. Sencillamente hay
que permitir que los sujetos se encuentren, descubran intereses y formas de
llevarlos a buen término.
3. Para
ello es necesaria la descentralización y la desburocratización. Los afanes centralistas son perjudiciales
para el sector cultural. Solo los
gobiernos locales tienen la capacidad de alterar la cotidianidad de los
individuos de una sociedad.
4. Y
por último es urgente entender que el artista, el gestor, el cultor, etc. gestiona la pluralidad y por lo tanto está más
llamado que nunca a ser garantes de la
diversidad. Esto es no sucumbir ante la polarización. No propiciar lógicas
excluyentes, etc. El desafío de la actualidad será el de tender puentes y
entendernos como diversos en nuestra cotidianidad.
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